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Aug 23, 2023

Die Kunst der Neuerfindung: Wie Künstler es vermeiden, in Schubladen gesteckt zu werden

„Steck mich nicht in eine Schublade, Alter“, sagt Super Hans zu Jez während der beliebten Sitcom „Peep Show“, während sich die beiden auf die Reise vorbereiten. Trotz aller komödiantischen und fiktionalen Parameter trifft diese Szene den Nagel auf den Kopf

„Steck mich nicht in eine Schublade, Alter“, sagt Super Hans zu Jez während der beliebten Sitcom „Peep Show“, während sich die beiden auf die Reise vorbereiten. Trotz aller komödiantischen und fiktionalen Parameter dieser Szene trifft sie den Nagel auf den Kopf. Kein Musiker, der sein Geld wert ist, möchte in eine Schublade gesteckt werden. Schon seit Ewigkeiten lehnen es Musiker aller Couleur ab, sich von Fans und Medien in eine Schublade stecken zu lassen, denn das wäre eine Niederlage und sie sind das, was niemand sein will: eindimensional und deshalb vermeintlich langweilig. Doch trotz aller Befürchtungen, dass der kreative Wert durch die bloße Bezeichnung Genre oder eine stilspezifische Definition gemindert wird, haben einige Auserwählte im Laufe der Jahre gezeigt, dass eine Schubladeneinteilung vermieden werden kann. Zwar gibt es mehrere Methoden, um zu verhindern, dass man wie Shamu in einen metaphorischen Chlortank gesteckt wird, doch diese beherrschen eine der bekanntesten Methoden: die Kunst der Neuerfindung. Vielen Menschen ist es gelungen, sich zu verwandeln, und heute verwenden wir drei der besten Beispiele: David Bowie, Talk Talk und Arctic Monkeys.

Es besteht kein Zweifel, dass David Bowie der ultimative Gestaltwandler der Popmusik war. Er war ein kreatives Chamäleon, das alle auf Trab hielt. Seine Geschichte ist berühmt. Er begann seine Karriere als der unvergessliche Davie Jones in einer Zeit, in der jeder Künstler versuchte, ein Star zu sein. Seine frühen musikalischen Bemühungen in dieser Gestalt und dann als jugendlicher David Bowie waren nichts anderes als ein völliger und objektiver Misserfolg. Bevor 1967 sein Debütalbum erschien, hatte der gebürtige Brixtoner sechs erfolglose Singles in einer Mischung aus Projekten als Solokünstler und in zahlreichen Bands veröffentlicht. Ein Faktor, der dieses Kapitel kennzeichnet, ist, dass er um eine konkrete kreative Richtung kämpfte.

Nach zahlreichen Fehlschlägen bei der Einführung seiner Karriere in den Mainstream gab Bowies Manager Kenneth Pitt den Werbefilm „Love You Till Tuesday“ in Auftrag. Es handelte sich um einen PR-Gag, der die Talente des 22-jährigen Künstlers hervorheben und einem viel größeren Publikum bekannt machen sollte. Als Beweis für die Genialität, die Bowie schon immer hatte, schrieb Bowie seinen ersten Hit, „Space Oddity“, nachdem ihm nun ein Thema zum Nachdenken gegeben wurde, für den Film, eine Nummer, die heute als einer seiner definitiven Hits gilt. Obwohl „Love You Till Tuesday“ aufgrund mangelnden Interesses erst 1984 veröffentlicht wurde, inspirierte das Projekt Bowie genug, um das Lied zu schreiben, das ihm einen Platz im kulturellen Gespräch verschaffte und bewies, dass er keine verlorene Sache war.

Im April 1969 lernte Bowie Angele Barnett kennen und die beiden heirateten innerhalb eines Jahres. Barnett, dem weithin die Veränderung seiner Ästhetik zugeschrieben wird, war es, der ihren Mann mit der aufregendsten aufstrebenden Szene der Ära bekannt machte: dem Glam Rock. Dies erwies sich für David Bowie als ein weiteres Puzzleteil. Nach dem Erfolg von „Space Oddity“, das in Großbritannien Platz fünf erreichte, war Bowie bereit, den nächsten Schritt zu wagen. Er hatte nun das Gefühl, dass ihm eine Band „für Auftritte und Aufnahmen – Leute fehlte, mit denen er sich persönlich identifizieren konnte“.

Dementsprechend bildete Bowie eine Gruppe. Die als The Hype bekannte Band bestand aus Mick Ronson an der E-Gitarre, Tony Visconti am Bass und John Cambridge am Schlagzeug. Das Quartett hatte auch ein stilistisches Konzept und kreierte Kostüme und Personas passend zur Musik. Bald darauf schied Cambridge nach einem Streit mit Bowie aus und wurde durch Mick „Woody“ Woodmansey ersetzt. Die Gruppe nahm Bowies drittes Album „The Man Who Sold the World“ auf, das 1970 veröffentlicht wurde. Mit dem gefeierten Titelsong bewegte sich Bowie weiter in seine Zukunft und legte den Grundstein für „The Rise and Fall of Ziggy Stardust“ aus dem Jahr 1972 The Spiders from Mars, was sein echter Durchbruch sein sollte und das Album gilt weithin als sein ultimatives Meisterwerk.

Während seiner Tournee mit „The Man Who Sold the World“ und seinem Nachfolger „Hunky Dory“ aus dem Jahr 1971 entwickelte Bowie das Konzept der Ziggy Stardust-Figur, indem er die Rolle des Iggy Pop aus der Stooges-Ära mit der Musik von Lou Reed verschmolz, den er als „das ultimative Pop-Idol“ bezeichnete “. Hunky Dory erlebte auch, wie der Bassist Trevor Bolder hinzukam, und nachdem das Album zu einem kunstvolleren Rockstil übergegangen war, war für Ziggy Stardust alles bereit. Die Gruppe änderte auch ihren Namen in „The Spiders from Mars“, einen sehr glamourösen Titel.

Der David Bowie, den wir heute kennen, erreichte mit seinem Album von 1972 einen durchschlagenden Durchbruch. Es war der Beginn einer herausragenden Karriere, in der er sich immer weiter verwandelte und alle Zuschauer in Erstaunen versetzte. Bowie fand nach diesem Erfolg kreativ Fuß und wurde durch das Können seiner Band und des Gitarristen Mick Ronson – mit dem er eine beeindruckende Partnerschaft einging – unterstützt. Er lieferte 1973 den düstereren, jazzorientierten Nachfolger Aladdin Sane ab Unterstützt durch das Fachwissen des Pianisten Mike Garson.

Die Formel, stets zu versuchen, die Talente anderer weiterzuentwickeln und zu nutzen, erwies sich für Bowie als folgenreich, da er es immer wieder schaffte, sich nicht in eine Schublade stecken zu lassen. Später arbeitete er mit John Lennon an dem Hit „Fame“ aus den 1975er Jahren „Young Americans“, Brian Eno und Tony Visconti an der „Berlin-Trilogie“ der Alben der späten 1970er Jahre, Chuck Hammer, Robert Fripp und Pete Townshend an den „Scary Monsters“ aus den 1980er Jahren. und natürlich Nile Rodgers, Bernard Edwards und Stevie Ray Vaughan auf seinem Bestseller-Album Let's Dance.

In den oben genannten Alben wechselte Bowie vom Glam Rock zum Jazz, in den Blue-Eye-Soul, dann zum Krautrock und in Ambient-inspirierte Bereiche, bis er mit einer Disco-Pop-Mischung bei Let's Dance weltweite Berühmtheit erlangte. Auch dies war nur die Spitze des Eisbergs; Der Londoner hatte noch viel von seiner kreativen Metamorphose vor sich. In Zukunft sollten die Genres Industrial, Experimental und Dance auf dem Vormarsch sein.

Wie Bowie gezeigt hat, kann der Rückgriff auf die Werke anderer und der ständige Versuch, sich künstlerisch weiterzuentwickeln, der Schlüssel dazu sein, künstlerische Neuerfindungen voranzutreiben und bei richtiger Umsetzung nicht in eine Schublade gesteckt zu werden.

Nach der ersten Ausstellung haben wir es mit der britischen Band Talk Talk zu tun. Die 1981 gegründete Gruppe wurde von Frontmann Mark Hollis geleitet und durch den Bassisten Paul Webb und den Schlagzeuger Lee Harris vervollständigt. Als sie ihren Durchbruch feierten, waren sie Synth-Pop-Acts und landeten in der ersten Hälfte des Jahrzehnts Chart-Hits mit „Talk Talk“, „It's My Life“ und „Such a Shame“. Mit einer Meisterleistung zogen sie sich jedoch nach und nach aus dem Bereich zurück, der ihnen beträchtlichen kommerziellen Erfolg beschert hatte. Ab Mitte der 1980er Jahre wurde Talk Talk deutlich experimenteller, geprägt von einem Jazz- und freien Improvisationsansatz.

Hollis und die Band waren Pioniere des Genres, das ab ihrem dritten Album, „Laughing Stock“ aus dem Jahr 1985, als Post-Rock bekannt wurde, und wurden von diesem Moment an immer künstlerischer in ihrem Schaffen. 1988 veröffentlichten sie ihr viertes Album, Spirit of Eden, mit dem unbezwingbaren „I Believe in You“. Doch während sich sein Vorgänger angesichts des Wandels immer noch gut verkaufte, gelang dies bei „Spirit of Eden“ nicht, obwohl er von der Kritik hoch gelobt wurde. Das letzte Album der Band, „Laughing Stock“ aus dem Jahr 1991, folgte diesem Weg noch weiter, wobei Toningenieur Phill Brown erklärte, dass die LP, wie ihre Vorgängerin, „durch Zufall, Unfall und stundenlanges Ausprobieren aller möglichen Overdub-Ideen aufgenommen wurde“. Kurz gesagt, Talk Talk machte es für sich selbst und niemanden sonst.

Kurz nach der Veröffentlichung von Laughing Stock trennten sich Talk Talk. Mark Hollis veröffentlichte 1998 ein einziges Soloalbum und zog sich dann aus der Musikindustrie zurück. Bis zu seinem Tod im Jahr 2019 wurde in den Medien wenig über ihn gesprochen. Obwohl der Tod von Hollis immer herzzerreißend sein wird, hinterließ er ein enormes Erbe Band. Talk Talk lehnte die Tradition ab und tat, nachdem sie den Erfolg ihrer Anfangsjahre genossen hatten, das, was vielen Musikern ein Gräuel erscheint: Sie gaben die kommerzielle Machbarkeit zugunsten künstlerischer Glaubwürdigkeit auf.

Dieser Bogen bleibt einer der faszinierendsten in der Musik, und während Songs wie „It's My Life“ Höhepunkte ihrer Ära sind, sind die letzten drei Talk Talk-Alben einfach unschlagbar. Es überrascht nicht, dass sie von einer Vielzahl von Künstlern als Helden bezeichnet werden, darunter Pearl Jam, Radiohead, The Mars Volta, No Doubt, Placebo, Doves und sogar die Metal-Supergruppe Storm Corrosion. Es ist vielleicht die ultimative Weigerung, sich von einem Etikett eingrenzen zu lassen, und spiegelt den Triumph von Mark Hollis und Talk Talk wider, dass ihre Musik durch ein Genre, selbst das des Post-Rock, überhaupt nicht quantifizierbar ist, wobei sie am besten mit ihrem Namen beschrieben werden können zweifellos eine ihrer ultimativen Leistungen. Doch selbst das erklärt nicht die Erhabenheit ihres Klangs.

Als letztes und aus einem zeitgenössischen Blickwinkel präsentieren wir Arctic Monkeys. Die aus Sheffield stammende Truppe, die angeblich eine Rockband ist, ist eine der beständigsten Gruppen, die heute arbeiten. Sie behält ein bemerkenswert hohes Maß an künstlerischer Qualität bei und präsentiert gleichzeitig immer eine Art Veränderung in ihrem Sound. Dies ist ihnen nicht nur nacheinander gelungen, sondern die Arctic Monkeys hatten dadurch auch großen kreativen und kritischen Erfolg, was ihre kollektiven Fähigkeiten förderte, die natürlich mit der Erfahrung zunahmen.

Ihr erstes Album, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not aus dem Jahr 2006, ist ein Indie-Rock-Meisterwerk, das ihre Heimatstadt am Ende von Tony Blairs Großbritannien einfängt. Beim Nachfolger aus dem folgenden Jahr, Favorite Worst Nightmare, verfeinerte die Band ihren Sound und wurde expansiver, wobei die Texte und das Songwriting von Frontmann Alex Turner auf ein neues Niveau gehoben wurden und ihr Instrumentalrepertoire um Keyboards und einen insgesamt dynamischeren Sound erweitert wurde.

Auf ihrem dritten Album, „Humbug“ aus dem Jahr 2009, ließ sich die Band die Haare wachsen und zog in die südkalifornische Wüste, um sich mit Josh Homme, dem Anführer der Queens of the Stone Age, zusammenzutun, der eine Platte mitproduzierte, auf der sie sich mit Psychedelia und Stoner-Rock beschäftigten. Auf dem vierten Album von 2011, Suck It and See, erforschte das Quartett die amerikanischen Klänge, mit denen es forensischer gespielt hatte, weiter. Es entstanden mehr zuckersüße Farbpaletten als je zuvor, was mit einer weiteren ästhetischen Veränderung einherging.

Im Jahr 2013 kehrte die Band mit ihrem kommerziell erfolgreichsten Album „AM“ zurück, einem prahlerischen, auf Hardrock fokussierten Werk, bei dem Turner und die Band Haartollen und Lederjacken trugen. Nach diesem Erfolg blieben die Arctic Monkeys für längere Zeit ruhig, während sie andere Gebiete erkundeten, und Turner veröffentlichte das zweite Album mit seinem und Miles Kanes Nebenprojekt The Last Shadow Puppets.

Als sie 2018 mit dem Tranquility Base Hotel & Casino zurückkehrten, hatten sich die Dinge für Arctic Monkeys erneut erheblich verändert. Ihr sechstes Album ist ein überwältigendes Art-Rock-Meisterwerk mit Berührungen aus Glam Rock, Lounge-Pop und den Filmsoundtracks der 1960er-Jahre, mit dem die Band ihre filmische Vision, die sie schon immer angestrebt hatte, voll und ganz verwirklichte. Mittlerweile älter und mit einem reichen Erfahrungsschatz im Rücken, könnte diese völlig erwachsene Version der Gruppe nicht weiter von den fleckigen Teenagern entfernt sein, die die Fantasie der Nation mit Geschichten über Taxistände, abschaumige Männer und junge Liebe beflügelten.

Jetzt, wo Alex Turner größtenteils hinter dem Keyboard sitzt, veröffentlichten sie Ende 2022 ihr neuestes Album, The Car, das einige der Stilthemen der Veröffentlichung von 2018 fortführte, jedoch mit Unterschieden. Natürlich sind die majestätischen Orchesterabschnitte ebenso vorhanden wie Turners neu entdeckte Vorliebe für das Singen. Dennoch setzte sich dieses Mal eine funkigere Unterströmung durch, und ihre klaren Anspielungen auf Hip-Hop waren ebenfalls durchgängig, ein weiterer überzeugender kreativer Wandel. Es stellt sich die Frage, wohin sie als nächstes gehen werden.

Da haben Sie es also. Obwohl die künstlerische Neuerfindung eine Kunst für sich ist, kann sie, wenn sie richtig durchgeführt wird, viele Früchte tragen, wobei das Risiko, in eine Schublade gesteckt zu werden, minimal ist. Dies kann auf viele Arten geschehen, indem man auf die Fähigkeiten anderer zurückgreift, indem man versucht, Kunst von echtem kulturellem Wert zu schaffen, oder indem man versucht, das gleiche Produkt immer wieder herzustellen, ist ziemlich langweilig. Zusammengenommen können diese Aspekte dazu beitragen, dass ein Musiker über den Zeitgeist hinausgeht und seinen eigenen, unverwechselbaren Weg beschreitet, dem die Fans gerne folgen und sehnsüchtig auf die nächste Station warten.